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En este, el cuarto post de Revela2, invite a otro excelente amigo… Carlos Madrigal.

A Carlos lo conozco de hace tiempo, y nuestra relación inició mas por motivos profesionales, ya que ambos nos dedicamos al desarrollo de software. Sin embargo, pronto nos dimos cuenta que teníamos un pasatiempo en común (la fotografía  y de esa coincidencia nació uno de los proyectos de los que me siento mas orgulloso…. 50mm un podcast de fotografía que hicimos durante un poco mas de un anio.

Carlos me dijo que cuando lo presentara no le echara flores, así que NO voy a decir que es un excelente fotógrafo  que ahora brinco a la cinematografía  Tampoco diré que es un gran amigo, y una excelente persona, que siempre esta dispuesto a ayudar y compartir su conocimiento. Mucho menos haré comentario alguno sobre los vídeos tan chidos que ha estado haciendo últimamente.

En cuanto al tema, en esta ocasión decidimos que serian imágenes relacionadas con Movimiento. No importaba lo que hiciéramos  si lo congelábamos  hacíamos largas exposiciones, etc… simplemente teníamos que mostrar movimiento en nuestras imágenes.

Aquí les pongo las cuatro fotos

Fotos de Alex Briseño

Movimiento  – Foto Editada por Alex Briseño

Movimiento – Foto Editada por Alex Briseño

JPEG 2 - Alex

Movimiento – Foto Editada por Carlos Madrigal

Fotos de Carlos Madrigal

JPEG 2 - Carlos

Movimiento – Foto Editada por Carlos Madrigal

Movimiento  – Foto Editada por Alex Briseño

Movimiento – Foto Editada por Alex Briseño

Mi Edición a mi Foto

Movimiento  – Foto Editada por Alex Briseño

En mi caso, yo decidí congelar el movimiento. Para esto, aproveche que íbamos a ir a un juego de basquetbol del equipo femenil de la universidad local.

Mi primer obstáculo fue la luz, que no es muy buena. Si a esto le agregamos que necesitaba velocidades bastantes altas para poder congelar el movimiento, pues no me quedo de otra mas que disparar con ISO 3200, para así poder usar velocidades de 320.

Aunque teníamos un buen lugar, y yo use mi lente 55-250mm, la verdad es que estábamos un tanto lejos, así que lo primero que tuve que hacer con esta foto, al editarla, fue recortarla, para centrarme en lo que me interesaba, la acción.

Escogí esta foto porque, ademas de congelar la acción  creo que captura muy bien el ambiente del juego, con las muchachas peleando por el balón, y sobre todo por las expresiones en sus caras.

Después de bajarla y hacerle el recorte en LR, el siguiente paso fue oscurecer el fondo lo mas posible ya que al estar muy iluminado, distraía la vista de la acción  Al mismo tiempo, les di mas luz a las muchachas y aumente el contraste. Todo esto jugando con las pestañas de Tone Curve y Basic. En la pantalla de Color le di mucho mas saturacion y, finalmente, le quite todo el ruido que se pudo en la pestaña de Detail.

El siguiente paso fue abrirla en PS, para darle mucho mas contraste, agregando capas de Brillo, Contraste y Niveles, ademas de usar mascaras para lograr oscurecer mas el fondo y resaltar mucho mas a las muchachas, en acción.

De regreso a LR, le incremente mucho la Claridad (Clarity) para darle ese toque de mucho mas contraste y viveza en los colores.

Mi Edición a la foto de Carlos

Movimiento  – Foto Editada por Alex Briseño

Me gusto mucho que Carlos decidió hacer todo lo contrario a lo que yo hice… en lugar de congelar el movimiento, el decidió hacerlo mucho mas evidente usando un barrido. La foto es muy buena, y en realidad no necesitaba mucha edición para lograr el efecto de Movimiento, así que solo jugué con las luces y el contraste, como hago regularmente con todas mis imágenes. Al final, le di mas saturación, y eso fue todo.

Antes de poner las ediciones de Carlos, les pongo un texto, que el mismo escribió, describiéndose.

Acerca de mi

No me gusta decir que soy fotógrafo, me gusta hacer imágenes. Me gusta mucho usar la cámara y me gusta mucho más jugar con los pixeles. Con eso de que las DSLRs modernas pueden tomar vídeo HD; últimamente me brinqué de la foto a la cinematografía. Tampoco pretendo decir que hago películas, lo que hago es aprender a hacer filmes.

Las nuevas DSLRs hacen posible capturar vídeos con lentes que tengan aperturas grandes y que puedan crear profundidades de campo muy pequeñas. Una de las diferencias entre hacer fotos y hacer vídeo es la forma en como manipulas los pixeles. Primeramente son llamados de distinto modo, en fotografía se le conoce como retoque o edición. En video/film como “color grading”. El “color grading” me ha hecho re-aprender la forma en como editaba. Para empezar, las DSLRs pueden capturar archivos de negativo digital de fotos grandes. La misma cámara puede capturar 18 megapixeles para una fotografía en un archivo RAW y capturar apenas una resolución de 1920×1080 para cada fotograma de video en una calidad similar a un JPEG muy comprimido.

Al tener JPEGs muy comprimidos como punto de partida, cada vez que manipulas la imagen agregando contraste creas muchos artefactos extraños y la imagen rápidamente se ve deteriorada e inservible. Hay cámaras que sí capturan en formato RAW y ofrecen una latitud enorme pero las DSLRs chafitas como la tuya y la mía no lo hacen así. Para lograr tener mayor latitud, tendemos a remover el contraste que el “estilo de imagen” o “picture style” agrega al convertir cada fotograma de RAW a imagen para el video. Esto resulta en un video con una apariencia muy deslavada pero que no se va a deteriorar tan rápido al manipularlo.

Para este reto de Revela2 quise platicarles de los trucos de los cuales nos auxiliamos al hacer “color grading”. En particular en lo referente al tema del contraste. En video/film nos importa preservar textura. Odiamos los extremos, no queremos ni al negro puro (0,0,0) ni al blanco puro (255,255,255) Dado el rango dinámico limitado de las DSLRs esto se vuelve un reto muy interesante.

Espero entonces mostrarles un acercamiento alterno para manipular imágenes. El estilo de escritura es didáctico por si quieren aprender lo que yo voy aprendiendo sobre el contraste y el color. Tal vez sea momento de dejar de agregar puro contraste normal y dejar de crear halos en nuestras imágenes, parches blancos, parches negros, exceso de nitidez y tonos no creíbles de piel.

La Edición de Carlos a mi foto

JPEG 2 - Alex

Siempre trato de conseguir contraste en las imágenes que manipulo. Pero, el contraste se puede conseguir de varias formas. La más obvia es aplicar un ajuste de contraste o una capa de ajuste en modo Overlay. Ese contraste es de luz: los claros se vuelve más claros y los oscuros más oscuros.

Este reto consiste en intercambiar negativos digitales y aplicar algo de manipulación. Los negativos digitales ofrecen la ventaja de que tienen bastante información. Por “información” me refiero a la textura. Es importante preservar textura aún después de haber manipulado la foto; es decir, aún después del contraste deben haber pixeles oscuros pero no montones de negros puros y deben haber blancos pero no montones de blancos puros.

Al aplicar contraste directo como uno de los primeros pasos corremos el riesgo de crear más blancos y negros puros. Estaríamos deshaciéndonos de parte de esa información y desperdiciando las ventajas de los negativos digitales. Para esos casos, en lugar de disparar en RAW, dispararíamos en JPEG usando un nivel de contraste cómodo en el “estilo de imágen” seleccionado.

¿Entonces cuáles son las otras maneras de agregar contraste? El color tiene varios componentes, uno de ellos es la luminosidad. Con ese se crea el contraste más común. Los otros componentes son el tono y la saturación. Se puede crear contraste con los tonos de color y con los niveles de saturación. Les recomiendo leer un poco de teoría del color para entender más cómo los colores se afectan entre sí. Además, se puede crear contraste haciendo ciertas partes de la imagen más nítidas que otras.

Mi idea con la fotografía de Alex era crear contraste en los tres componentes del color. El punto de enfoque de la foto según mi interpretación es lo que ocurre entre el balón y las dos jugadoras de equipos contrarios. Entonces, quise crear el contraste ahí.

Lo primero que hice fue revelar el DNG. La foto es muy buena, la cantidad de luz es buenísima. El único pero es que se ve naranja por todos lados. Es de entenderse, el color que identifica a los Mineros de UTEP es el naranja. Pero si quiero crear contraste con color, tengo que meter un tono opuesto y complementario al naranja. La idea es que se vean dos tonos dominando y no solamente uno.

También vi algunas áreas de la foto que no tenían textura. Camera Raw y Lightroom tienen una función que te pinta de colores azul y rojo las secciones que pierden textura. Para arreglar esto bajé el control Blacks a 0 controlando los oscuros y bajé Exposure a -0.35 para controlar los claros.

Para tratar de encontrar el color complementario al naranja situé Temperature en 4100K. Siempre hay que tener cuidado con los tonos de piel al manipular la temperatura de la imagen; al llegar a 4100K sentí que tenía buen contraste de tonos de color y buenos tonos de piel.

Mi edición final la quiero hacer en Photoshop, así que no me interesa agregar contraste en Camera Raw. Por eso en Tone Curve, utilicé una curva lineal para evitar agregar contrastes de luz.

La foto fue tomada a ISO 3200 lo cual agrega algo de ruido. Utilicé los controles de reducción de ruido de Camera Raw para eliminar algo del ruido cromático y suavizar las texturas. Estos fueron los parámetros: Luminance: 56, Luminance Detail: 72, Luminance Contrast: 0, Color: 15, Color Detail: 50.

Para tener al naranja bajo control, decidí de-saturarlo usando el control Saturation de la pestaña HSL. Para no batallar con el tono de naranja con el que quería trabajar, usé la herramienta Targeted Adjustment Tool (uno de los goteros en la barra de herramientas) y agarré un naranja de alguna playera y bajé la saturación a -26. Ese tono particular de naranja también tiene componentes rojos que fueron afectados a -15.

Para introducir al color complementario utilicé Split Toning, poniendo en los claros al tono 350° y saturación 15; a las sombras las puse en 189° y saturación 25; y al balance lo dejé en 3. Este cambio introdujo algo de verde a las escaleras grises de cemento y recalcó la forma “V” que hacen en la composición. Entonces, ya tenía naranjas contra verdes y azules.

Esos fueron mis cambios en Camera Raw que me dejaron una imagen con mucha información en forma de textura y color.

Lo primero que hice ya en Photoshop fue agregar algo de nitidez en la cara de la jugadora vestida de azul y el balón. La idea es ayudarle a la mirada del espectador a ir intuitivamente a esa parte. El “sharpening” fue un básico USM que apenas si se notaba. En el PSD podrán ver una capa con máscara totalmente negra a excepción de algunos puntos en la cara, el balón y los brazos.

En otra capa busque agregar más contraste al balón y a la cara de la jugadora azul utilizando “dodge” y “burning”. La técnica que empleo es crear una capa transparente y ponerla en modo Soft Light. Después uso blanco para agregar brillo y negro para agregar sombras con opacidades muy bajas para poder poner varias capas.

En otra capa puesta de igual forma (transparente en Soft Light) utilicé el negro para oscurecer las partes brillantes que distraen. En el PSD podrán ver que la cara de la jugadora 34 fue oscurecida junto con la de la jugadora 5.

Esos fueron pequeños contrastes de luz. Ahora quise trabajar en el contraste de color así que agregué una capa Color Balance y agregué a las sombras 6 en los rojos y 15 en los azules. Este ajuste aparte de hacer lo obvio, cambiar los tonos de las sombras a azul, agregó un contraste general. Precisamente por esta razón es por la que conviene agregar el contraste más popular hasta el final. Este cambio viró el gris verdoso de las escaleras a un azul más placentero que, a mi parecer, combina mejor con el naranja y el azul marino.

La siguiente capa fue una de Hue/Saturation que quitó saturación a -33. Si ven el PSD podrán observar que el efecto es cancelado en donde está la acción. Aquí quise crear contraste entre el punto de enfoque (con saturación normal) y el resto de la imagen (con una de-saturación al -33).

La siguiente capa repite la idea. Es una capa que se asemeja a la máscara de la capa anterior. La diferencia es que partimos de una capa transparente en Soft Light con opacidad al 15%: otro “dodge” y “burning”. El objetivo fue agregar contraste de luz realzando el punto de enfoque. Exactamente la misma idea, pero ahora en el componente de luz.

En este punto utilicé la combinación de teclas CTRL ALT SHIFT E que crea una capa con lo actualmente visible. Luego le apliqué un ajuste Hue/Saturation en modo Colorize y busqué un tono azul (opuesto al naranja) y subí Lightness. Los valores exactos no los recuerdo. A esta capa la combiné en modo Soft Light con una opacidad al 60% y apliqué una máscara muy similar a la que tiene la capa anterior porque queremos reforzar la misma idea, dejar nuestro punto de enfoque intacto y aplicar el efecto al resto. En este caso, esta combinación de la versión azulesca de la foto va a resaltar aún más los tonos complementarios al naranja.

La siguiente capa es Vibrance en un 75%. Revisen la máscara en Photoshop y vean que se la apliqué al balón y a los uniformes de las dos jugadoras en el punto de interés.

La siguiente capa es otro “dodge” y “burning” que trata de crear contraste en las orillas para crear una viñeta irregular. La esquina superior derecha ya está muy oscura y no deseo perder más textura así que esta capa se ocupa primordialmente de la esquina inferior izquierda dejando el punto de enfoque intacto.

La penúltima capa es un duplicado de la capa anterior pero puesta en modo Multiply en lugar de Soft Light. La diferencia de los modos se debe a que Multiply oscurece mientras que Soft Light agrega contraste (los oscuros los vuelve más oscuros pero a los claros también los vuelve más claros). La idea de esta capa es de oscurecer sin alterar los claros porque no queremos que el ojo se vaya ahí.

La última capa es una curva que ajusta el contraste final.

La Edición de Carlos a su foto

JPEG 2 - Carlos

Para no robarle más letras a Alex porque luego este post quedaría muy largo, voy a aplicar el mismo acercamiento al editar mi foto: a buscar contraste en todas sus formas.

Camera Raw muestra algunas áreas subexpuestas y otras sobre expuestas. Como no quiero agregar contraste de luz en este paso entonces primero convierto la curva en Tone Curve a lineal y luego bajo los Blacks 0 y Exposure a -0.55. Para no tener tanto negro en la imagen, subo Brightness (medios) a 85.

La foto luce muy bien con mucho detalle en todas las áreas. En general es muy monocromática  En la parte izquierda la foto tiene tonos amarillescos. Se me ocurre hacerla foto más fría ya que vemos a un ciclista japonés de camino a su trabajo. Tonos azules le dará más la sensación de “oficina y trabajo” que tonos cálidos. Para quitar ese amarillo bajo la temperatura a 4750K.

En Split Toning ajusto los colores de los tonos oscuros y claros. A los oscuros les inyecto un azul a 210° a 39 de saturación y a los claros un 72° a 24 de saturación con un balance de 32. Finalmente opté por usar amarillo porque resultó ser buen complemente al azul en las sombras. El color diametralmente opuesto al azul es el amarillo; por eso se llevaron bien.

Después de observar un poco la imagen, veo que las áreas que me pueden dar problema al agregar contraste son las más oscuras (las pompas del pantalón) y las más claras (parte de la camisa) y por eso decido corregirlas agregando luz a las sombras y quitando luz a los claros. Para las sombras agrego una capa transparente en Screen y pinto de blanco sobre el pantalón. Después de unos brochazos establezco la transparencia de la capa a 74%. Para los claros, pongo otra capa transparente en Multiply y doy unos brochazos en negro. La idea de estas dos capas es que cuando agregue más contraste retenga textura en esas zonas.

En otra capa transparente en modo Soft Light hago “dodge y burning” pintando de negro la esquina superior izquierda y la esquina inferior derecha. La idea es concentrar al espectador en el ciclista para que no se distraiga con las orillas. Esta mini viñeta es muy sutil pues no quiero perder detalle y vaya que la foto tiene mucha textura aunque esté casi toda borrosa.

El contraste de esta foto se va logrando con el color. La siguiente capa es un Gradient Map puesto en modo Soft Light a un 33%. El tono para los oscuros es un azul medio (16, 43, 49) y el tono para los claros es un beige (235, 233, 180). Estos mapas reasignan los tonos en forma gradual de sombras a claros. Al combinar este mapa en modo Soft Light estamos reforzando el contraste de tonos azul-amarillo entre oscuros y claros. El modo Soft Light agrega un pequeño contraste de luz que combinado con el mapa agrega contraste de color también.

Siempre que afecto color tengo que ver que el tono de piel sea creíble. El tono de piel puede echar a perder la edición completamente. Si el tono de piel es muy exagerado, la manipulación se ve totalmente amateur. Si el tono de piel se preserva, la manipulación es bien aceptada.

Por último, utilicé la combinación CTRL ALT SHIFT E que crea una capa con todo lo visible a ese momento. A esta nueva capa le apliqué un poco de USM que desactivé con una máscara negra. Luego pinté con brocha blanca las partes más enfocadas de la imágen. El “sharpening” en realidad es un contraste normal a las orillas; es decir, cuando hay pixeles oscuros cerca de pixeles claros, a los pixeles oscuros los hace más oscuros y a los claros más claros y esto crea la sensación de nitidez.

La última capa es una curva que ajusta el contraste final.

 
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